La collection "Pieces" est une collection de parquets miniatures fabriqués à la main par Davy Van Roy, entrelacée d'éléments en laiton, en feuille d'or ou simplement en peinture acrylique. Le parquet est en chêne local, fini selon la technique japonaise de menuiserie Shou Sugi Ban, ou Yakisugi, où le bois est préservé par le feu. Ensuite, le bois est brossé et traité avec de l'huile naturelle. Ce procédé permet d'obtenir une finition durable qui accentue la texture du bois.

Rob crée ses maquettes en bois, fil de fer, fil à coudre et souvent avec des objets du quotidien. Le nouveau contexte dans lequel ils sont placés leur confère une signification symbolique. L'échelle des sociétés miniatures offre au spectateur une vue d'ensemble et invite à réfléchir à une perspective différente sur l'humanité. L'activité intense montre que notre collaboration est toujours un thème central dans ces œuvres d'art. L'artiste a voulu mettre cela en avant, car en tant qu'individus, nous nous définissons souvent en groupe par ce que nous faisons ensemble.

https://www.robbuelens.be

'Asil’s Armor': L'équipement du chef de guerre au Moyen Âge était fait de matériaux de qualité, fabriqués avec savoir-faire. Le passage matériel vers du papier toilette dans cette œuvre provoque également une permutation du sens de l'artefact.

Tandis que le patrimoine culturel et moraliste tire sa force de conviction pour l'idéal chevaleresque de la matière, cette œuvre révèle une expérience historique dirigée qui ne valide pas encore la revendication morale revisitée. L'artiste, enfant, était totalement immergé dans ce récit militariste d'honneur et porte encore en lui les résidus de cette pensée romantique.

La collection "Pieces" de l'artiste Davy Van Roy est née d'un amour pour l'artisanat, l'art et les textures des matériaux. Il cherche à unir ces éléments dans des motifs géométriques.

Parmi les autres projets de l'artiste, on trouve The Perpetual Receiving Gift, The World is Yours, Inside the Wall, entre autres.

Depuis 2000, l'artiste explore intensivement l'applicabilité des technologies numériques (en particulier Photoshop et Lightroom). Avec l'arrivée des premiers programmes génératifs pour l'IA, son horizon photographique s'est élargi avec une nouvelle perspective artistique.

Ses connaissances des outils de mouvement pour la photographie numérique ont aidé l'artiste à créer un « prompt » reflétant ses idées.

Bienvenue dans « Dreamographie », où des fantasmes et des rêves impossibles à photographier peuvent être capturés.

Détail de l'œuvre de l'artiste Alexander Maria Lohmann. Ces magnifiques œuvres d'art peuvent être admirées jusqu'au 15 septembre au Coutre M.A.M.

L'artiste Alexander Maria Lohmann est un homme d'extrêmes. En tant que pionnier, aventurier et explorateur, il est toujours à la recherche de nouveaux défis et de territoires inconnus, tant lors de ses voyages à travers le monde que dans son atelier. Il est fasciné par les contrastes et les contradictions. Des zones de conflit déchirées par la guerre aux jungles les plus reculées, des déserts africains aux sommets glacés de l'Himalaya et aux métropoles animées du monde entier : il a voyagé dans presque tous les coins de la terre et les a capturés dans ses photographies.

Projet Lifid : Backgammon (jeu de société)

Pendant des semaines, des mois et des années, les images en direct de différents fuseaux horaires et climats donnent au spectateur un aperçu de l'état actuel de la Terre et de ses changements continus au fil du temps.

Backgammon montre une carte de la Terre. Les triangles et cercles noirs représentent l’humanité, la couleur blanche représente la nature. C'est une représentation de l'homme contre la nature. Les surfaces rondes avec des lettres sont des panneaux numérisés. Les moniteurs pour les images en direct sont situés dans ces lieux 24h/24 et 7j/7.

LÍFIÐ Monopoly, une brève histoire de la terre (160x160cm)

Monopoly" montre l'histoire de la Terre : le Big Bang, la présence des premières cellules et des êtres vivants,...

À travers des événements dramatiques tels que les guerres, le changement climatique, etc., la vie est peu à peu effacée, et dans le futur, tout finira comme cela a commencé.

Franchir les frontières et capturer des contrastes extrêmes dans les conditions les plus défavorables, c'est ce qui distingue le travail artistique d'Alexander Maria Lohmann et donne à ses œuvres leur incroyable puissance et profondeur.

Alexander ne documente pas seulement le présent, mais il couvre également un large arc, du passé le plus sombre jusqu'au futur lointain. Il regarde au-delà des images pour aborder les questions brûlantes de notre époque, comme la perte de biodiversité, le changement climatique, etc.

Dans son projet, l'artiste adopte une nouvelle approche en combinant ses motifs avec une matérialité prononcée, ce qui confère à ses œuvres authenticité et une sensation tangible.

https://www.alexandermarialohm...

Du 05/08 au 08/08, Coutre M.A.M. prepare l'exposition de l'artiste Alexander Maria Lohmann. Nous travaillons derrière des portes closes.

Nous vous souhaitons la bienvenue au vernissage le 8/8 à partir de 17h à 22h Vous pouvez encore visiter l'exposition jusqu'au 15/9. Bienvenu!

La photographe artistique Veerle De Vriendt dirige son objectif vers les arbres, un thème qu'elle revit comme un souvenir dormant de son enfance. Enfant, elle errait à travers un petit bosquet, son paradis de jeux et de découvertes, où les arbres murmuraient et le vent racontait des histoires.

Pendant des années, Veerle n'a plus pensé à ce trésor vert. Le monde de son enfance s'est estompé dans le tourbillon de la vie. Mais lorsque ses deux parents sont décédés, les souvenirs sont revenus comme des vagues.

Dans son deuil et sa quête de traitement de la douleur, elle a décidé d'explorer le thème des arbres dans son travail photographique, comme une manière de donner forme à ses émotions et d'honorer ses souvenirs. Avec son appareil photo analogique, elle a capturé les arbres, non pas simplement comme des objets, mais comme des porteurs de sa symbolique personnelle.

Le travail de Veerle est un voyage intime à travers la forêt de ses souvenirs, une ode aux arbres qui étaient autrefois ses compagnons de jeu. À travers son objectif, la forêt parle à nouveau, dans des images qui offrent à la fois réconfort et inspiration, et qui invitent le spectateur à s'arrêter et à réfléchir sur ses propres racines, ses propres histoires, cachées parmi les feuilles de la vie.

Les remous de la vie

Utilisant l'image en mouvement comme médium, l'artiste, architecte d'intérieur de formation, a réfléchi sur le passage du temps et les changements qu'il entraîne. Le monde flottant, la succession des générations. Degroote conjugue images fixes, instantanés de vacances en famille, fêtes de famille,... avec douceur, comme des souvenirs. Les images sont projetées par une installation unique, agitant et s'échouant sur le rivage.

Jusqu'au dimanche 2 juin vous pourrez admirer l'exposition d'Ellen Vanholen et Carlos Albert au Coutre M.A.M. Nous serions heureux de vous rencontrer et de vous guider à travers l'exposition.

Si vous souhaitez plus d'informations sur les œuvres d'art : paul@coutre.be

www.coutre.be

Acier inoxydable poli - travail unique

Titre : Rama Viva

Dimensions : 30x34x17cm

Dessin au charbon de bois

Titre : Bernstein

Dimensions : 21x30cm et 16x20cm

Les œuvres à l'honneur de l'artiste Ellen Vanholen !

À gauche : 'Bernstein'

À droite : 'Collage Inchiostro'

Dimensions: 30x40cm

Pour en savoir plus : Coutre M.A.M. (Kleinvleeshuissteeg 2A à Gand) - paul@coutre.be

Une Œuvre d'art à l'honneur du grand artiste Madrilène Carlos Albert.

Titre : Extasis

Matériau : acier corten peint

Dimensions : 109x40x25cm

°1963 à Gand
Études : Arts Graphiques à Sint-Lucas Gand - 1986

Ellen Vanholen s'est développée en tant qu'artiste qui trouve une profonde résonance dans le monde de l'art contemporain. Après avoir terminé ses études, elle s'immerge dans les mouvements de l'Arte Povera et de l'art matériel.

Son œuvre, souvent caractérisée par l'utilisation de matériaux simples ou négligés, explore des thèmes tels que la vulnérabilité, le caractère éphémère de l'existence et l'expérience humaine solitaire. Sa quête artistique va au-delà du matériau: elle s'efforce de découvrir des significations cachées et des liens avec l'univers, une entreprise qu'elle considère comme un voyage dans la "quatrième dimension".

L'approche d'Ellen à l'art est profondément philosophique, une vision qui se manifeste dans sa conviction que l'art n'est jamais terminé mais est laissé dans un état où il peut continuer à croître et à se développer. Les créations ne sont pas seulement de nature esthétique, mais servent également de catalyseurs à l'introspection sur notre existence et la position humaine dans l'ensemble cosmique.

www.ellenvanholen.com

°1978 à Madrid (Espagne)

Étude : Faculté des Beaux-Arts de l'Université de Madrid, 2003
Séjour d'études au Camberwell College of Arts (University of the Arts London)

Carlos Albert est un artiste complet. Il conçoit et réalise lui-même ses œuvres. Le fer et l'acier bruts sont pliés, tordus, coupés et entièrement livrés à la puissance créatrice du sculpteur.

Les plaques d'acier qui composent les sculptures monumentales s'emboîtent parfaitement et apportent une incroyable simplicité formelle à des œuvres complexes. Le vide et la matière constituent une part essentielle du travail de Carlos Albert. L'artiste a introduit la couleur dans ses œuvres récentes. En combinaison avec les éléments essentiels de la sculpture, il estime qu'ils rehaussent la beauté et l'expression du matériau. Après avoir remporté plusieurs concours, certaines sculptures monumentales de l'artiste ont été intégrées dans l'espace public. Carlos Albert a également été sélectionné pour créer des œuvres pour des musées (Vietnam en 2018, La Havane et Miami en 2019), confirmant sa progression au niveau international.

L'exposition de l'artiste Carlos Albert a été réalisée grâce à la collaboration de la galerie d'art Aquilaluna (Rue Lieutenant Pirard 16, 4607 Dalhem/Liège).

www.aquilaluna.com

www.carlosalbertscultor.com

Oeuvre en bronze: 'Unspoken words'
Prix: €4 400

'Mare Nostrum'

Peinture acrylique sur toile, 100 x 100cm: €2 500

Oeuvre d'art à l'honneur de l'artiste Vincent van Eeden (exposition en cours au Coutre M.A.M., Kleinvleeshuissteeg 2A à Gand) !

Ce tableau 'L'histoire (se répète)' est basé sur l'incendie du 15 avril 2019 de la cathédrale parisienne gothique-française Notre-Dame (construite entre 1163 et 1225, sur une idée de l'évêque Maurice de Sully ).

La cathédrale a pris feu pendant les travaux. La charpente en chêne plombé (certains arbres datent du VIIIe siècle) a été entièrement détruite.

Notre Dame rouvrira fin 2024.

Dimensions : 100 x 100 cm

Prix ​​: 2 675 €

Vous souhaitez une belle sculpture en plâtre de votre corps? Frank Mortier, artiste actuel chez Coutre M.A.M., s'en chargera pour le très joli prix de 650€. Vous pouvez vous inscrire via veerle@coutre.be

Bernadette Schoon

°Gand, 1945

Formation : Dessin et peinture à l'École Latem : 'Latems Creatief' (étudiante de Monic Wittebolle, professeur de graphisme à la Sint-Lucasacademie Gand et à l'Art Academy Tielt).

Les œuvres de l'artiste Bernadette Schoon, alias 'Be.eS', sont une recherche continue d'équilibre, tant dans la forme que dans la couleur. Elle sait s'exprimer avec sobriété une riche variété de sentiments intenses. Bernadette veut apporter la paix et l'harmonie dans notre monde chaotique avec son travail : ZEN ! Elle utilise de la peinture acrylique sur toile, du lin et du papier fait main pour réaliser ses expressions. Be.eS s'engage également socialement : une partie des bénéfices de son travail est reversée à 'Tajo', un studio de talents pour les jeunes de Gand et de Courtrai. La vulnérabilité sociale prive d’opportunités, en particulier chez les jeunes. Pour saisir les opportunités, il faut d’abord donner des opportunités aux jeunes.

L’art ne représente pas le visible, mais rend visible l’invisible (Paul Klee)

Frank Mortier

°Deinze, 1959

Éducation : Académie municipale de Deinze

Un voyage de découverte de l'humanité,
passé,
la peau sans limites,
les couches
où l'âme
se cache
un long voyage
à la source intérieure
qui se montre,
plein de phrases sans mots
déguisé en images
plein de sens.

Vincent van Eeden

°Voorburg (NL), 1969 Vit et travaille à Gand

Formation : Académie Royale des Beaux-Arts d'Anvers, notamment avec Fred Bervoets

Coupé du monde extérieur pendant un moment. Ouvrez la troisième dimension dans votre esprit... Entrez dans un monde où s'appliquent différentes lois de la gravité, où la lumière et l'obscurité se soutiennent, où les mers et les cieux entourent l'exubérance... Les œuvres sont des histoires nées de l'imagination riche et profonde de le peintre. Un fantasme basé sur la connaissance. Une connaissance qui présuppose une certitude. Sécurité grâce aux lois de l'Amour, de la lutte et de la sécurité. Et puis... des points de repos que l'on retrouve dans chaque œuvre, où les balances s'équilibrent à nouveau, les lacs de silence, la vision du futur née de l'élément féminin... Vincent van Eeden, le plus jeune petit-fils de l'écrivain et le poète Frederik van Eeden poursuit la ligne artistique sur la toile vierge. La poésie, la sculpture et les arts du spectacle ont également trouvé sa fascination au fil du temps.

Le poème de Vincent 'Vulnérable' décrit bien son travail :

"En liberté je te donne de l'amour,
Je t'ai laissé partir amoureux.
Dépendance dépassée,
lie l'âme,
ce qui est sorti de la source,
trouve l'âme
son égale dans la source.
En liberté
la source retrouve son âme
… »

Piet Van

°1955, Dixmude

Cours KASK Gand, film d'animation

Lieu de vie et de travail: Bon-Secours

Piet Van est un artiste multidisciplinaire Belge. Son répertoire artistique comprend de délicats dessins au crayon, des peintures, des compositions architecturales, de petites sculptures, des installations monumentales et des inventions brevetées. L'artiste Piet démontre une combinaison unique de talents et une profonde compréhension des matériaux, qui ont conduit ses remarquables projets artistiques au cours des 50 dernières années. Chacune des œuvres d'art de Piet reflète le processus de pensée complexe de l'artiste et démontre un engagement indéfectible envers la diversité et l'innovation. Même après des décennies dans le monde de l’art, il reste une force active, constamment impliqué dans des projets artistiques nouveaux et passionnants qui repoussent les limites et continuent de captiver le public.

Johan Tahon (Menen, 1965) n'est pas devenu sculpteur. Il l’a toujours été et le sera toujours. Pour lui, sculpter c'est comme respirer. Dès son plus jeune âge, il découvre que les objets apportent de la légèreté à la lourdeur de l'existence. La douleur était son moteur, mais chacune des images créées sous ses mains lui donnait un aperçu de la beauté de la renaissance. Tahon est immédiatement devenu accro, il est allé étudier la sculpture à l'Académie Royale des Beaux-Arts (KASK) de Gand et n'avait pas encore trente ans lorsqu'il est entré sur la scène artistique internationale. Depuis, il a toujours été sur la route, pour ne jamais arriver. Agité et plein de nostalgie de l'indicible, Johan Tahon explore les frontières du grand inconnu. S'appuyant sur son matériel, sa technique et son habileté, il recherche sans peur et obstinément le rien qui est à la fois tout. Vers un présent qui est aussi passé et futur. Au silence qui dit tout. Au cours des dernières décennies, Tahon a donné vie à une impressionnante rangée de sculptures mystérieuses en bronze, en plâtre et en céramique : géants blessés et anges inaccessibles, créatures tourmentées et moines sages, nus sensuels et hybrides amorphes. Tous, qu’ils tiennent dans la paume de la main ou atteignent des hauteurs monumentales, flottent entre terre et ciel.

"Double Van Gogh" est une sculpture en plâtre réalisée en réponse à l'exposition personnelle de Johan Tahon « Van Gogh-Preacher » au Musée Vincent van Gogh de Zundert.

D.D. Trans, synonyme de Frank Tuytschaever (Kruiskerke, 1963), est un artiste conceptuel qui donne souvent dans son travail une petite transformation surréaliste aux objets du quotidien. Il court-circuite le lien entre les choses créées et leur sens, enflammé par l'association, une touche de rébellion et un fond de mélancolie. Son travail est humoristique et minimaliste. L'œuvre de D.D. Trans a l’air léger mais pique plus profondément qu’il n’y paraît. Il examine le statut de l'objet trouvé en tant qu'œuvre d'art de manière ciblée mais sans prétention.

Dans les années 1990, Jacqueline Peeters (Eindhoven, 1961) commence à réaliser des peintures avec le texte Unsold Painting n° 48, n° 1. 49, etc., et elle peint les tarifs de ses œuvres invendues. Elle utilise désormais un certain nombre de ses vieilles peintures invendues comme base pour de nouvelles peintures. Peeters peint des fenêtres dessus comme une vue du passé. Ce jeu avec le passé et le présent se reflète également dans ses peintures sur son arbre généalogique indien. C’est à la fois un clin d’œil aux réflexions identitaires actuelles et un hommage à ses ancêtres.

L'artiste William Phillips expose son œuvre particulière dans le Calefactorium médiéval de Coutre M.A.M. (Kleinvleeshuissteeg 2A à 9000 Gand).

M. Seele nous a enchanté avec sa visite le dimanche 22 octobre et a montré un énorme intérêt et une grande appréciation pour les œuvres d'art.

L'exposition restera ouverte au public jusqu'au 4 novembre 2023.

Carlos Eggermont, °1933 à Gand

Expositions : Belgique (Ostende, Gand, Renaix, Ypres,...), Paris, Pays-Bas.

Carlos Eggermont était marchand d'art, vendeur de meubles design, architecte d'intérieur autodidacte mais surtout peintre passionné. Ses œuvres ont une rugosité qui n'est pas sans rappeler certaines représentations primales. La primauté humaine n’est jamais complètement distanciée : animale dans nos pulsions, impulsions, instincts et humaine dans notre être et notre apparence. Les exceptions à cette règle sont les peintures à inclinaison géométrique, les plans qui découlent des conceptions architecturales. L'essentiel de l'œuvre d'Eggermont est de nature assez sombre. Il n'a pas besoin de couleur pour raconter son histoire ou donner vie à son œuvre. Cependant, il n’est pas opposé à la couleur. La preuve en est que la couleur apparaît ici et là, notamment dans ses œuvres les plus récentes.

Hugo De Leener, ° en 1954 à Ostende

Résidence et lieu de travail : Asper-Gavere
Formation : Académie des Beaux-Arts de Bruges, Académie Royale des Beaux-Arts de Gand
Expositions : Amsterdam, Cologne, Ecosse, Saint-Pétersbourg, Italie, Londres.

Hugo De Leener est un artiste atypique.
Les dessins de ses livres grandissent lentement. Hugo déambule dans les rues de Bruxelles, Gand et d'autres villes. Il voit et pense. Lors de ses voyages en train, il donne les premiers élans éphémères et chez lui il continue à écrire, dessiner, rouler, peindre, imprimer, perforer, coller, etc. de manière intuitive jusqu'à ce que la composition le convainc. Son écriture, partie essentielle de ses dessins, évoque un univers sans fin et révèle une immense imagination.
Les dessins de Hugo sont distincts de ses objets. Il transforme les matériaux les plus humbles en objets d'une profonde beauté poétique. Le spectateur a toutes les possibilités de remplir lui-même ou non le vaste cadre des significations.
Ses installations et assemblages enchantent le spectateur par leur simplicité intrigante. Le spectateur attentif remarquera la subtile note humoristique de certaines œuvres. On pourrait dire que son travail s'oriente vers 'l'arte povera', mais 'minimalisme poétique' est un meilleur terme.

Merab Surviladze est né en 1965 à Tbilissi (Géorgie).

Si l'on revient sur la façon originale de travailler de Merab, sa peinture a subi de profonds changements mentaux et physiques au fil des ans.

Synchronisé avec le temps et l'espace, Merab a ajouté une nouvelle dimension à ses œuvres sous la forme de figurines en acrylique faites à la main. D'une part, cet ajout permet à l'artiste de repousser les frontières techniques de son art. D'autre part, il crée ainsi la version originale de la peinture abstraite et expressive, basée conceptuellement sur la métaphore de l'ombre et sa lecture artistique et philosophique.

Les formes d'ombres, selon Merab, représentent des tensions, la perturbation des tonalités et elles donnent une profondeur qui autrement serait manquée. Il semble qu'il se pose des questions sur le phénomène de l'ombre.

Merab a décidé de se positionner dans la couleur de l'ombre. Il ne prête aucune attention à l'origine, à la langue, à la couleur de la peau ou même au lieu. Dans l'ombre, nous sommes tous libres d'être nous-mêmes.

Merab réussit à dépeindre une image de vrai drame. En synthétisant des espaces, des corps et des ombres, il touche à des problèmes existentiels - des vies qui existent dans un état de régularité inconnue. Merab veut montrer un espace réel, mais a besoin d'une manière spéciale de le rendre clair.

Arne Quinze est né en 1971 à Gand. Il est un artiste conceptuel contemporain, peintre et sculpteur. Son travail est complet: des petits dessins et peintures, sculptures de taille moyenne et des installations gigantesques. Au début de sa carrière (les années 1980), il était graffeur. Il s'est toujours interrogé sur le rôle de nos villes, ce qui l'a amené à explorer les possibilités de transformer les villes en musées à ciel ouvert. Son travail a rapidement évolué du Street Art à l'Art Public avec des thèmes récurrents tels que l'interaction sociale, l'urbanisation et la diversité. Il s'est fait connaître en tant qu'artiste en 2006 en plaçant Uchronia, une structure en bois de 30 m de haut et 60 m de large, au festival Burning Man dans le désert du Nevada, USA.

Arne Quinze, de renommée internationale, est devenu synonyme d'installations monumentales dans le monde entier, mais son œuvre comprend également des peintures, des sculptures plus petites et des installations lumineuses. Il est co-fondateur et directeur de l'agence Quinze & Milan qui commercialise des meubles et développe des projets architecturaux. Ses installations sont construites pour provoquer des réactions et intervenir dans le quotidien des passants confrontés à ses sculptures.

Jean Boghossian est né en 1949 à Alep (Syrie). C'est un artiste pluridisciplinaire et abstrait dont les œuvres ultérieures présentent toutes, dans des proportions variables, des traces de combustion. Malgré un médium envahissant et plutôt violent (le feu) et des dégâts volontaires, Boghossian est constamment à la recherche d'harmonie. Conscient que le mouvement chaotique des flammes et de la fumée ne peut jamais être complètement apprivoisé, l'artiste s'associe délibérément à leur danse endiablée jusqu'à ce qu'il décide d'arrêter le processus lorsqu'il sent que le juste équilibre a été trouvé. Issu d'une famille de joailliers, le jeune Boghossian a travaillé pour l'entreprise tout en étudiant en parallèle l'économie et la sociologie à l'université Saint-Joseph de Beyrouth. La guerre civile libanaise en 1975 a forcé Boghossian à quitter le pays et à s'installer en Belgique. Il y a plus de 30 ans Boghossian a décidé de s'inscrire à la Bosvoorde Art Academy à Bruxelles. En 1992, avec son frère et son père, il fonde la Fondation Boghossian. Son art, qui s'oriente vers l'abstraction depuis plus d'une décennie, évoque un mouvement Zéro contemporain et Fluxus, bien que Boghossian n'appartienne à aucun mouvement ou école connue. Boghossian a traité des supports tels que la toile, le papier, les livres et le plastique avec du feu qui a parfois provoqué l'apparition de motifs de perforation. Outre la flamme, Boghossian utilise divers médiums tels que l'aquarelle, le fusain, l'huile, les pigments et la peinture acrylique et diverses techniques telles que le pliage, l'arrachement, le collage. Boghossian réalise ses sculptures à partir de bois, de polystyrène, d'argile, de marbre ou de bronze, dont il excite à son tour certaines par le feu.

Jean Boghossian a participé à des expositions récentes: Avenue Louise, Brussels (2021), Wilford X (2020), BRAFA, Boon Gallery (2020), Wooyang Museum of Contemporary Arts, Korea (2019- 2020), Museum und Park Kalkriese Germany (2019-2020), United Nations Office, Geneva (2019), Galerie Tanit, Munich (2019), Galerie Valérie Bach, Brussels (2018), Galerie Pièce Unique, Paris (2018), German Bundestag, Berlin (2018), Cardi Gallery, London (2018), Museum Ground, Republic of Korea (2018), L’Orient Le Jour building, Beirut (2018), the National Gallery of Armenia, Yerevan (2018), Frieze New York, Cardi Gallery (2018), Art Monte-Carlo, Cardi Gallery (2018), Ayyam Gallery, Dubai (2018), Armenian Center of Contemporary Experimental Art, Yerevan (2017, 2007), 57th Venice Biennale (2017), Musée d’Ixelles, Brussels (2017), Beirut Exhibition Center, Beirut (2015, 2011), Fondazione Palazzo Albizzini Collection Burri, Città di Castello, Italy (2015), Museo Archeologico di Atina e della Valle di Comino, Atina (2015), Villa Empain, Brussels (2014), Art Abu Dhabi, Saleh Barakat Gallery (2013), Youngeun Museum of Contemporary Art, Republic of Korea (2012)

Dae Mee Van der Haegen est passionnée par la beauté des fleurs. En tant qu'artiste belge d'origine coréenne, elle souhaitait figer les fleurs et les utiliser pour les immortaliser. À partir de fleurs existantes qui détermineront finalement la forme originale de son travail, Dae Mee modifie les fleurs en les façonnant et en les colorant selon ses propres souhaits. Pour cela, elle utilise un procédé unique qu'elle a développé et se réfère aux momies égyptiennes.

Il en résulte "une renaissance de la fleur"...

En collaboration avec Arne Quinze et les Floralies, Coutre a l'honneur d'exposer temporairement une des sculptures de Lupin de Quinze au Kouter. Le grand ouvrage est visible à partir du 22/4. Plusieurs sculptures d'autres tailles sont visibles dans l'espace d'art de Coutre M.A.M. Le 22/4, tout le monde est le bienvenu à partir de 17h pour une réception et une visite.